Reviews

T-men, qui fait partie des quelques séries B tournés par Anthony Mann est en quelque sorte précurseur. Il traite d'un sujet à la mode actuellement: l'infiltration. C'est donc le digne ancêtre des Infernal Affairs et autres Miami Vice. Le sujet et son traitement par Mann s'avère complètement passionnant, et révèle un savoir faire (il a quand même déjà 12 films à son actif) qui prendra toute son ampleur tout au long de sa carrière.

Les T-men, ce sont les hommes du Trésor à la poursuite des faux-monnayeurs. Le récit est aussi prenant qu'un reportage, même si cet effet est parfois redondant. Ainsi, le début évoque clairement la télévision, où un homme explique face caméra la situation. De même l'excellente voix-off qui apporte son lot d'informations devient inutile en paraphrasant ce que l'on voit ou devine facilement.

T-men (La brigade du suicide en français puisque le titre original n'a pas d'équivalence)n'est certainement pas un film noir fondamental, mais se trouve être suffisamment passionnant pour le regarder avec le plus vif intérêt.

Les tueurs entre directement dans le panthéon des films noirs. On peut même se demander si le terme ne fut pas inventer pour ce film tant il représente la quintessence du genre de la première à la dernière scène. Cette première scène, où deux gangsters de la ville débarque dans un snack d'une petite ville rappelle instantanément le tableau d'Edward Hopper, Nighthawks. Il n'y a pas de hasard puisque les deux oeuvres sont inspirés de la nouvelle de Hemingway.

Après cette mise en bouche d'une grande qualité, la narration prend forme. L'histoire nous est alors raconté en flash-back grâce à un subtil montage. Bien que le personnage qui enquête ne soit pas un policier (c'est un assureur!), le film de Siodmak n'en est pas moins un film policier. Autre réussite du film, qui entre parfaitement dans le code du film noir, provient de l'éclairage des scènes. Jouant à merveille avec la lumière, les origines de Siodmak (il a commencé sa carrière en Allemagne en plein expressionnisme) transpirent l'écran!

Au centre du récit, le personnage malheureux sur qui on enquête est incarné par un Burt Lancaster dont c'est le premier film. Même si sa prestation peut paraître un peu bancale (quoi de plus normal pour un débutant?), son charisme et sa force convainque qu'il a toute sa place dans ce film! Enfin, Les tueurs ne serait pas un authentique chef d'oeuvre sans l'incarnation parfaite de la femme fatale par Ava Gardner. Sa première apparition laisse bouche-bée. Tout comme on s'interroge si le terme film noir n'a pas été inventé pour le film, on se demande si le terme femme fatale n'a pas été inventé pour ce rôle (il n'en est rien, bien sûr, mais c'est pour signaler qu'il s'agit sans doute du film noir le plus film noir du genre!).

Orages sur le polar

Miami vice est un film ambitieux, prolongeant la splendeur visuelle de Collateral tout en poussant son histoire à son maximum. Les personnages y sont d'une forte fragilité, la frontière avec les criminels est mince. Michael Mann rend à merveille ce sentiment, en étouffant son action dans un contexte pesant. Occultant les enjeux politiques du trafic de drogue, l'auteur se concentre sur un microcosme de ce commerce international, pour mieux soulever le danger de la mission des deux policiers. La violence y est sèche et moderne, notamment dans l'impressionnant affrontement final.

En plus du grand développement de ses personnages, Mann s'affirme comme un immense technicien et metteur en scène. Ses tours de force graphiques ne sont jamais gratuits, il sert constamment son histoire, ce qui fait de Miami vice un grand film de plus au compteur de Mann. Grandement documenté comme à son habitude pour être à l'aise avec son sujet, Mann brouille la frontière entre la fiction et le documentaire avec ses caméras haute définition. Le procédé est particulièrement saisissant dans les scènes de nuit, où la beauté nocturne résume tout simplement le film: elle est aussi belle que dangereuse.

C'est un univers plein de désespoir que décrit Kaneto Shindo dans L'île nue. Les conditions de vie de cette famille qui cultive une terre aride sur une île isolée sont rudes. L'auteur nous les fait partager, voire même vivre, dans une description lancinante. La montée des seaux d'eau dans les côtes sont de grands moments de tension, presque Un salaire de la peur quotidien, où chaque faux pas réduit tant d'efforts. Quand le fameux faux pas se produit, c'est la condition de la femme qui est étudiée. Et dès cet instant, elle devient l'élément principal du film, jusqu'au beau final, où sa réaction humaine en touchera plus d'un.

L'expérience est unique et difficile (on voit des gens souffrir). Sans paroles et dans un rythme lent et avec des répétitions (qui sont justifiées, mais ne sont-elles pas trop nombreuses?), le film rebutera. Mais par la force des choses (une splendide image et un « récit » atypique), le spectateur passera outre de ces quelques « difficultés » pour saisir la beauté de cette oeuvre.

C'est le milieu de la nuit que décrit brillamment Johnnie To dans PTU, où un flic, aidé de quelques collègues (d'une brigade se rapprochant de notre BAC), va essayer de retrouver son arme stupidement perdue. L'exercice est bien fait: la nuit tout est possible, même le plus ridicule (puisque la fin révélera le grotesque de la situation). C'est dans cette superbe nuit (magnifique éclairage) que flics et voyous se confondent, où les barrières cessent d'exister.

Dans un Hong-Kong surréaliste: vide, avec des bruits d'ambiance du plus grand effet (l'exemple le plus frappant est le vrombissement de voiture), le théâtre nocturne est captivant. To saupoudre son film d'un zeste d'humour (l'hilarante introduction, jeu de chaises musicales trompeuses), PTU n'est pas un film d'action (à part une fusillade finale), mais n'en reste pas moins tendu. L'auteur a filmé la nuit telle qu'elle est: avec respect et crainte!

Director's cut

Kingdom of heaven est un film très impressionnant et dense, que ce soit pour sa dimension épique, le traitement des personnages ou sa résonance à l'actualité.

Baigné dans une superbe photographie, la caméra de Scott est de l'or. Chaque plan est beau à pleurer, avec en plus une musique d'une grande qualité. La simple plastique du film mérite la vision. Mais l'oeuvre est loin d'être un simple tableau animé. C'est un scénario dense et sublime sur l'héroïsme et le respect mutuel dans un environnement instable, avec une belle brochette de personnages, incarnés par de merveilleux acteurs pour la plupart: le plus impressionnant étant Ghassan Massoud (Saladin), sans doute parce qu'il est le moins connu, dont le charisme envahit l'écran à chaque fois ou encore le subtil Edward Norton derrière un masque!

Kingdom of heaven est heureusement intelligent, chose inévitable pour le sujet. Le parallèle entre l'époque décrite et l'actuelle est frappante, et c'est avec amertume que l'on constate que le respect s'est perdu, et que l'extrémisme s'est répandu. Ridley Scott avait prévu pour l'ouverture de filmer le Jérusalem d'aujourd'hui, où deux correspondants de guerre étaient bloqués dans une chapelle alors qu'une bataille avait lieu à l'extérieur (« c'était une façon de signifier que les choses ne s'étaient pas arrangés »). Grand bien lui a pris d'abandonner cette idée, évitant ainsi de plomber son film.

Le réalisateur nous offre aussi des batailles énormes, avec des effets spéciaux discrets, où l'on reste carrément bouche bée! Cet alliage entre les moments d'héroïsme, les drames intimistes qui touchent chacun des héros et le raffinement du scénario font de Kingdom of heaven un film précieux, un coup de génie de la part de Scott, bienvenu dans un Hollywood qui nous offre que trop rarement ce genre de divertissement cérébral!

Après son révolutionnaire Citizen Kane, le second film d'Orson Welles fait forcément pâle figure en comparaison, pourtant, La splendeur des Amberson est un autre grand film du maître. Si la mise en scène est ici moins impressionnante, le génie visuel de Welles transpire quand même l'écran. Sa mise en scène reste toujours moderne, et quand la caméra ne se déplace pas de manière spectaculaire, il donne l'effet d'un plan d'un séquence avec une caméra fixe, juste dans l'organisation des mouvements. Son expérience théâtrale ne s'est pas perdue derrière la caméra!

L'histoire est aussi intéressante et aboutie que celle de Citizen Kane. Car en plus d'être un metteur en scène hors pair, l'auteur avait un grand sens du récit. Bien qu'adapté d'un roman, il semble évident que Welles a traité le sujet à sa manière. Le film tourne autour de la riche famille des Amberson et le petit monde qui tourne autour (les gens, mais aussi la ville, qui au fil des années se transformeront). Le récit se centre surtout sur le petit fils, un petit garçon hautain et méprisable, que le réalisateur saura rendre attachant et vulnérable.

La splendeur des Amberson décrit une famille aisée, toutefois, cette saga est universelle, rendant le film plus agréable encore. Ce film démontre tout le talent de Welles, le plus grand raconteur d'histoire à ce jour encore!

Le 49ème parallèle, fruit de la collaboration mythique entre Michael Powell et Emeric Pressburger (l’un à la réalisation, l’autre à l’écriture ici), a été fait pour soutenir l’effort de guerre. Bien que ce soit un film de propagande, il ne comporte aucun défaut de ce genre de film. Le récit se fait tout en nuance avec une intelligence bienvenue. Le point de vue adopté est audacieux, la narration suit des nazis prêts à conquérir l’Amérique et la course poursuite qui s’en suit.

Le récit, tel un road-movie (d’est en ouest en passant par les grands espaces), ne cesse de surprendre. Au début quelque peu amusant avec un Laurence Olivier jubilatoire en canadien français avec ses « nom de dieu ! », Powell prend la suite plus au sérieux, en dénonçant les dangers du nazisme et l’intolérance qui en découle. Mais le réalisateur sait aussi montrer un autre visage, moins manichéen, avec cet allemand, plus soldat que nazi, qui dans une longue et belle partie utopiste, se révèle être un humain touchant.

Le 49ème parallèle est vraiment étonnant, par sa maîtrise, son intelligence du récit et par la manière dont les auteurs arrivent à faire passer leur message. La conclusion marque la volonté de Powell à travers ce film : montrer aux Etats-Unis d’Amérique la nécessité de combattre l’Allemagne nazie, mais le film sortit outre-atlantique en temps de guerre.

L’étrange incident pourrait être pris pour un western, mais en fait, il relève plus du drame psychologique. Très tôt dans le film (dès la première minute en fait), l’ambiance de la ville décrite dans le film est malsaine. Là où le bétail se vole régulièrement, un homme est assassiné…S’ensuit une échauffée pour organiser une battue, dans le triste but d’un lynchage. De nos jours, le film paraît classique, voire prévisible, mais pourtant le suspens reste insoutenable. A la fin, par la lecture d’une lettre, l’émotion est à son apogée et le film se clôt avec un nœud dans le ventre.

De par son thème fort, la justice expéditive, toujours d’actualité dans le cinéma américain (Mystic river est l’héritier direct du film de Wellman) et grâce à la justesse du ton, L’étrange incident est une œuvre précieuse, et l’un des films majeurs du cinéma américain des 40’s (cinéma alors très riche). Seule fausse note, le personnage du soldat est trop caricatural, d’autant plus qu’il est surjoué. Henry Fonda est bouleversant dans son personnage tiraillé par sa conscience (l’émotion dégagé par la lecture de la fameuse lettre lui incombe beaucoup). Quant à Dana Andrews, il est tout aussi touchant, et trouve là sans doute son meilleur rôle.

Avant de s’attaquer à la fiction, la vocation première de Gillo Pontecorvo était le documentaire. Cette veine ne le quittera pas durant la réalisation de Kapo. La description des camps, de la torture quotidienne est aussi minutieuse qu’insoutenable. Les acteurs comme les figurants semblent réellement marqués par la faim et le désespoir.

Le personnage principal, Edith, renommée Nicole grâce à un médecin qui va la sauver de la chambre à gaz, est l’élément dérangeant du film. C’est la face sombre de l’humanité, plus encore peut-être que les SS. Comme le titre le laisse amèrement deviner, pour plus de confort au sein du camp de travail, elle va devenir une kapo terrible, oubliant d’où elle venait.

Quand des prisonniers rejoignent le camp de travail, Pontecorvo, poussé par son scénariste Franco Solinas, ajoute au récit une histoire d’amour entre Edith et un prisonnier russe. C’est certes tomber dans la facilité, mais cela dénote bien la fragilité et l’instabilité d’Edith. Seul le final qui en découle trahit la force dérangeante du film.

Outre son final, Pontecorvo signe un film puissamment sombre, avec la précision d’un documentaire. Susan Strasberg (fille de Lee) notamment dans le début, est stupéfiante dans le rôle d’une jeune fille dont la guerre a brisé l’innocence et les rêves. Epaulée par l’éclatant Laurent Terzieff et la fragile Emmanuelle Riva, Kapo ne souffre pas de son casting. Il faudrait être fou pour ne retenir du film qu’un court plan…